Brasil en el Festival de Cannes: recuerda las películas que se exhibieron en el evento

Participar en eventos de cine es siempre un gran escenario para mostrar producciones que a veces no tienen mucho espacio en el cine comercial. Brasil en el Cannes Son muchas estas historias por contar, con representantes que, con el tiempo, se han convertido en clásicos de culto, tanto del cine nacional como del propio evento. Entienda, en este texto, qué es Cannes y la participación de Brasil allí.

¿Qué son los premios del Festival de Cine de Cannes?

Creado en 1946, el Cannes Es uno de los eventos más tradicionales del cine mundial. Se celebra anualmente en la ciudad francesa del mismo nombre y su principal foco es el cine de autor, con la proyección de nuevas películas que aún no se han estrenado en sus países de origen. A lo largo de los años, el festival se ha consolidado como un espacio de visibilidad para cineastas de diferentes países, reuniendo a debutantes y nombres reconocidos de la industria.

La exposición principal del evento es la Competición oficial, que selecciona alrededor de 20 largometrajes para competir por el palma de oro, el máximo galardón del festival. El jurado de esta categoría está formado por profesionales del cine —directores, guionistas, actores y productores— invitados por la organización. Además de la Palma de Oro, se conceden: Gran Premio (segundo premio más importante), el Premio del Jurado, los premios de mejor direccion, mejor guion, mejor actuación femenina e mejor interpretación masculina.

Además de la Competición Oficial, existen otras secciones con diferentes objetivos. EL Un Certain Regard, por ejemplo, reúne películas con propuestas narrativas o visuales que se alejan del estándar de la exposición principal. Ya el Cinéfondation está dirigido a cortometrajes y mediometrajes realizados por estudiantes de escuelas de cine, mientras que Semana de la crítica y Quincena de cineastas Funcionan como exposiciones independientes dentro del programa, con curaduría propia. Los premios en estas secciones son definidos por jurados separados.

El Agente Secreto competirá por la Palma de Oro en 2025

Brasil regresa a la competición principal del Festival de Cine de Cannes con El agente secreto, nuevo largometraje de Kleber Mendonça Son. La película fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en la 78 edición del festival, que se realizará entre el 13 y el 24 de mayo de 2025. La confirmación fue realizada por los organizadores del evento en París.

La trama se desarrolla en la década de 1970 y sigue a Marcelo, un profesor universitario que huye de São Paulo a Recife después de convertirse en el blanco de la persecución del régimen militar. Protagonizada por Wagner MouraLa película mezcla elementos de suspenso y drama político, con Recife como escenario central. Esta será la tercera vez que una película dirigida por Kleber Mendonça Son participa en la competición principal de Cannes, después Acuario (2016) y Bacurau (2019).

Películas brasileñas en el Festival de Cine de Cannes

Desde 1949, Brasil ha participado con mucha frecuencia en la Cannes, a veces incluso llevándose premios a casa. Vea a continuación todas las películas que representaron a Brasil en Cannes.

Tierras remotas (1949)

El debut de Brasil en Cannes fue un documental corto que, a pesar de su título genérico, estaba cargado de significado. sertón , de John G. Garden e Oswaldo Sampaio, trajo al festival un Brasil profundo y árido, desconocido para la mayoría de los europeos de la época. La película no compitió a ningún premio, pero abrió el camino para que el cine brasileño fuera reconocido fuera del circuito latinoamericano.

Caiçara (1951)

En la marea turbulenta entre el deseo y la supervivencia, caiçara Es una de esas películas que llevan el peso del silencio. Dirigido por Adolfo Celi y escrito por Alberto Cavalcanti, la película se adentra en la trayectoria de Marina, una joven marcada por el estigma de la lepra, no por tenerla, sino por ser hija de alguien que la tuvo.

El personaje acepta casarse con un hombre prácticamente desconocido, José Amaro, en un intento desesperado por escapar de los prejuicios. El destino la lleva a Ilha Verde, un lugar aislado y opresivo, donde convive con un marido ausente y el acoso de su pareja. La soledad prevalece hasta que una nueva figura, el marinero Alberto, llega a la isla en busca de las legendarias piedras campana, y termina encontrando a Marina.

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Tico-Tico en la harina de maíz (1952)

El año siguiente, el Vera Cruz Regresó a la Croisette apostando por un personaje popular: Zequinha de Abreu, compositor de música clásica Tico-tico no Fubá. Dirigida nuevamente por Adolfo Celi, la película se alejó del drama rural para adentrarse en un biopic musical con una atmósfera más ligera y accesible. Aunque no ganó ningún premio, la película ayudó a posicionar a Brasil como un país con talentos diversos, también en la música, y demostró que nuestras historias podían resonar con los gustos del público internacional.

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El forajido (1953)

Fue con el cangaço que Brasil finalmente dejó de ser sólo una promesa en Cannes. el cangaceiro, de Lima Barreto, combinó acción, regionalismo y estética western en una fórmula que conquistó al jurado y pasó a ser conocida como “western brasileño”. La tensa narración muestra el mundo del cangaço, centrado en la banda de Galdino, un líder temido dondequiera que va. El guión toma forma cuando Olivia, una maestra de pueblo, es secuestrada durante uno de los ataques del grupo. La película ganó el Premio a la mejor película de aventuras y una mención honorífica por la banda sonora, convirtiéndose en el primer brasileño en ganar un premio en el festival.

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La canción del mar (1954)

Cabalgando sobre los hombros del éxito anterior, La canción del mar , de Alberto Cavalcanti, regresó al Nordeste como escenario, pero con un enfoque más poético. La película retrata la relación de los pescadores con el mar como metáfora de la lucha constante por la supervivencia. En Cannes, llamó la atención por su uso lírico de las imágenes y su intento de equilibrar el realismo y el simbolismo. Menos celebrado que el cangaceiro, el largometraje, sin embargo, representó un claro intento de mantener a Brasil como una presencia constante y respetable en el circuito de grandes festivales.

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El hechizo de las amazonas (1954)

Incluso en 1954, Hechizo del Amazonas Amplió la imaginación geográfica de la producción nacional, llevando la selva tropical a la pantalla. Dirigido por Zygmunt SulistrowskyLa película se centra en una mujer blanca que forma parte de una expedición al Amazonas. La trama se centraba más en el misterio y la aventura que en la crítica social.

Samba fantástica (1955)

Después del interior, el mar y la selva, llegó el momento de que el Carnaval llegara a Cannes. Samba fantástica, cortometraje documental de Jean Manzón, la película sigue el viaje de un compositor en busca de la inspiración ideal para su nueva samba. Con una narrativa construida íntegramente a través de imágenes y música, el documental captura la atmósfera de la fiesta sin diálogos ni entrevistas, mostrando todo desde el detrás de escena hasta la avenida.

Bajo el cielo de Bahía (1956)

Una historia de amor prohibido se desarrolla en medio de los paisajes de Bahía, cuando dos jóvenes de tribus rivales se enamoran y desafían las tradiciones de su pueblo. Dirigido por Ernesto Remani y producido por Vera Cruz, la película se adentra en una trama de rivalidad, deseo y huida, mientras explora la belleza natural de la costa bahiana. El romance, sencillo en esencia, cobra fuerza con el escenario tropical, que se convierte en el personaje central de la trama. Fue la última incursión del productor en el Festival de Cannes, todavía intentando construir una imagen del Brasil cinematográfico con atractivo internacional.

La ciudad de la amnistía (1960)

Inspirada en un caso real que conmocionó a São Paulo, la película Roberto Farías Sigue un robo a un banco que termina en secuestro. Con un clima de tensión constante y un ritmo acelerado, la trama se adentra en un Brasil urbano y violento, lejos de los paisajes rurales que dominaban el cine nacional hasta entonces. Fue una de las primeras películas en tratar el crimen como un síntoma social, abriendo camino a nuevos enfoques dentro del género policial.

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La primera misa (1961)

dirigido por lima barretoLa película está inspirada libremente en el cuento Nhá Colaquinha Llena eres de gracia , de Nair Lacerda. La narración comienza con la representación de la primera misa en Brasil, pero huye de la solemnidad histórica para construir un retrato alegórico del choque de culturas. Entre lo sagrado y lo profano, la fe indígena y la catequesis portuguesa, la película provoca al espectador a pensar en la construcción de la identidad brasileña, ya tensa y contradictoria desde sus rituales inaugurales.

El cumplidor de promesas (1962)

Como El pagador de promesas, anselmo duarte rompió barreras Ganando la Palma de Oro en Cannes, convirtiéndose en la primera película brasileña en ganar el máximo premio del festival. Adaptado de la obra del mismo nombre de dias gomes, el largometraje presenta la historia de Joe el burro, un hombre sencillo del interior de Bahía que, después de prometer curar al animal de su familia, se encuentra enfrentado a una serie de obstáculos que revelan las tensiones religiosas, políticas y sociales del Brasil rural. La trama gira en torno a la fe, el sacrificio y la hipocresía de la sociedad, utilizando el entorno rural para exponer conflictos que trascienden las fronteras geográficas.

La película adopta un enfoque crítico, no sólo en relación a la religiosidad, sino también al modo en que la clase política y las instituciones sociales se apropian de la fe popular para apoyar sus propias agendas.

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Dios y el diablo en la tierra del sol (1964)

Em Dios y el diablo en la tierra del sol, Glauber Rocha Explora las tensiones sociales y políticas del Brasil rural a través de una historia que mezcla realismo con misticismo. Ambientada en el interior del noreste del país, la película sigue a Manuel, un hombre sencillo que se encuentra dividido entre el mesianismo de un líder religioso y la revuelta de un bandido. Con una estética innovadora, que se ha vuelto característica de Nuevo CineLa obra destaca por su impactante estilo visual y su profunda reflexión sobre la violencia y la opresión.

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Vidas secas (1964)

Adaptación de la novela de Graciliano Ramos, vidas secas es una obra maestra dirigida por nelson pereira de los santos. La película retrata la vida de una familia en el interior del noreste del país, marcada por una sequía implacable y la lucha por la supervivencia. Sin recurrir a grandes dramatizaciones, la película se centra en las dificultades cotidianas de los personajes, presentando una visión cruda y realista de las condiciones de vida en el interior de Brasil. La obra es uno de los mayores ejemplos del cine realista brasileño y un retrato fiel de la miseria y la resistencia de los pueblos del Nordeste.

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Noche vacía (1965)

Dos hombres y dos mujeres deambulan por las primeras horas de la mañana de un Río de Janeiro melancólico y artificial. La película, dirigida por Walter Hugo Khouri, es un retrato existencial de la soledad urbana. Sin grandes acontecimientos, sólo diálogos, silencios y vacío: una inmersión en el aburrimiento y el desencanto de la clase media brasileña en los años 60.

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La hora y el turno de Augusto Matraga (1966)

Inspirado en el trabajo de Guimaraes Rosa, El tiempo y el giro de Augusto Matraga es un western brasileño dirigido por Roberto Santos. La historia sigue a Augusto, un hombre marcado por su pasado que busca la redención y la reconciliación con su propia historia. Ambientada en el sertón, la película mezcla elementos de la literatura regionalista con una narrativa de aventuras y moralidad, y destaca por la forma en que explora la construcción del personaje y los dilemas internos que enfrenta.

Tierra en Transe (1967)

https://youtu.be/0cBDrfl6vPw

Considerada una de las mejores películas de Glauber Rocha, tierra en trance es una obra que reflexiona sobre las contradicciones políticas y sociales de Brasil. En el país ficticio de Eldorado, un poeta y periodista vive el colapso de la política nacional, en medio de golpes de Estado, demagogia y utopías fallidas. Glauber Rocha mezcla teatro, metáfora y manifiesto para construir un retrato caótico y febril de Brasil.

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El dragón del mal contra el guerrero santo (1969)

Antônio das Mortes regresa al interior del país, ahora como un justiciero contratado para matar a un nuevo bandido. Pero el duelo se convierte en reflexión: ¿quién es el verdadero enemigo? Glauber Rocha revisita personajes de Dios y el diablo en un western tropical lleno de colores, mitos y contradicciones. Un grito simbólico contra el autoritarismo, con escopetas y poesía.

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El loco Azyllo (1970)

En una especie de manicomio metafórico, los personajes viven entre el delirio y la crítica. Dirigido por Nelson Pereira dos Santos, la película utiliza la locura para hablar del Brasil autoritario después del 64. Mezcla comedia, improvisación y absurdo para reflejar la represión, pero también la resistencia creativa de un país en crisis.

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El palacio de los ángeles (1971)

Tres mujeres transforman un apartamento en un punto de encuentro erótico y político, donde militares, artistas y empresarios se cruzan entre deseos y delirios. Con guión de José Agripino de Paula y dirección de Walter Hugo KhouriLa película trata menos de una historia y más de sensaciones, collages y provocaciones: casi un acontecimiento filmado.

Pindorama (1971)

Paulo César Saraceni propone un viaje simbólico a “Brasil antes de Brasil”. Imágenes, rituales y narrativas se entrelazan para crear una reflexión poética sobre el pasado indígena, la colonización y la búsqueda de una identidad nacional que resista el borrado. Es un cine de evocación, donde el tiempo histórico y el mito se confunden.

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El amuleto de Ogun (1975)

Un niño criado en el Candomblé crece entre bandidos y milagros en los suburbios de Río. Combinando realismo y misticismo, Nelson Pereira dos Santos construye una historia sobre la fe, la supervivencia y el destino. El sincretismo religioso guía al protagonista en su viaje en busca de justicia —o venganza— en una ciudad donde lo sagrado y lo profano coexisten.

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Adiós Brasil (1979)

dirigido por Carlos Diegues, Adiós Brasil Sigue a un grupo de artistas itinerantes que viajan por el interior del país en un autobús, brindando entretenimiento y observando los cambios sociales y culturales que estaban sucediendo en Brasil en la década de 70. La trama central se centra en el personaje Deuzú, una cantante de radio, y su grupo de artistas, quienes se enfrentan al choque entre la modernización que llega a las grandes ciudades y el aislamiento cultural y económico del interior. A lo largo del recorrido, la película revela la transición de Brasil hacia una sociedad más urbana y globalizada, pero al mismo tiempo, critica la desigualdad entre las regiones del país y la deshumanización que la modernidad puede traer.

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Quilombo (1984)

Em Quilombo, Caca Diegues retrata la lucha de los negros en el Brasil colonial, centrándose en el Quilombo dos Palmares y la resistencia de Zumbi contra la esclavitud. La película saca a la luz la resistencia de las comunidades negras y el deseo de libertad, en una época en la que las luchas por la autonomía eran sofocadas por el sistema colonial. La película destaca la importancia histórica de los quilombos como espacios de resistencia e identidad, ofreciendo una visión crítica de la esclavitud y sus consecuencias.

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Recuerdos de la prisión (1984)

Basado en el libro de Graciliano Ramos, Memorias de Cárcere (1984), dirigida por Nelson Pereira dos Santos, adapta los recuerdos del autor sobre el período en que estuvo preso durante la dictadura militar brasileña. La película se centra en la experiencia de un preso político y la tensión de su resistencia al régimen. La historia se desarrolla dentro de una prisión, donde los presos enfrentan torturas físicas y psicológicas. La obra reflexiona sobre los daños causados ​​por la represión, abordando la lucha individual contra el sistema y los impactos de la dictadura en la psique humana. La narración muestra cómo la prisión no sólo era una prisión física, sino también una prisión mental y moral para quienes se oponían al régimen.

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Nunca hemos sido más felices (1984)

Em Nunca hemos sido tan felices, Murilo Salles Cuenta la historia de un padre que se reencuentra con su hijo después de años de separación. Mientras intentan reconstruir su relación, surgen secretos y tensiones que revelan las complejidades de los lazos familiares. La narrativa íntima explora temas como la paternidad, la identidad y la reconciliación.

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El beso de la mujer araña (1985)

Dirigida por el argentino-brasileño Héctor Babenco, El beso de la mujer araña Se desarrolla mayoritariamente dentro de una celda de prisión, donde dos hombres, un preso político y un homosexual condenado por seducir a menores, comparten recuerdos, visiones del mundo e historias de vida. La trama se desarrolla a través del entretejido de distintas realidades: la dura represión política de la dictadura militar y las ensoñaciones escapistas inspiradas en el cine clásico.

La película está construida sobre una fuerte base teatral y una narrativa circular, en la que la relación entre los personajes crece a medida que se infiltra la tensión política. La coproducción entre Brasil y Estados Unidos le valió al actor William Hurt o Oscar al mejor actor.

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Sé que te amaré (1986)

En un entorno íntimo y casi claustrofóbico, el director Arnaldo Jabor propone un encuentro entre un hombre y una mujer que anteriormente estuvieron casados ​​y deciden encontrarse para una conversación franca. La película se desarrolla como un largo diálogo en el que la pareja revisa su historia, sus frustraciones y deseos, moviéndose entre el afecto y el dolor. El trabajo rindió frutos Fernanda Torres El premio de Mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes.

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Tren a las estrellas (1987)

Dirigido por Caca Diegues, la película sigue el viaje de Vinícius, un joven músico de las afueras de Río de Janeiro que huye de casa y emprende la búsqueda de su identidad por toda la ciudad. La trama mezcla el realismo urbano con momentos casi oníricos, mostrando un Río de Janeiro fragmentado entre la violencia, los sueños y el deseo de libertad. En el camino, el protagonista se encuentra con personajes que representan diferentes caras de la ciudad: desde la marginalidad hasta el arte callejero.

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Kuarup (1989)

Kuarup , de Ruy Guerra, sigue el viaje de un sacerdote recién ordenado que emprende una misión en una región indígena en Xingu. La película indaga en las transformaciones internas del personaje a lo largo de su convivencia con los indígenas, así como en los conflictos que surgen al intentar conciliar la fe, el deseo y la conciencia política. La narración abarca un amplio marco temporal, pasando por episodios importantes de la historia brasileña, como el golpe de 1964. La película se mueve entre lo épico y lo íntimo, y presenta el choque entre culturas y valores en un país en constante reconfiguración.

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Corazón iluminado (1998)

Em Corazón iluminado, Héctor Babenco vuelve a explorar la subjetividad masculina a través de la historia de Juan, un cineasta argentino radicado en Brasil que regresa a su país natal tras la muerte de su madre. A partir de este regreso, el personaje retoma recuerdos de su juventud, especialmente su relación con Ana, una enigmática joven. La película se desarrolla con una estructura no lineal, alternando entre presente y pasado para construir un retrato de la identidad afectiva del protagonista.

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Molestia (2000)

Basado en la novela de Chico Buarque, obstáculo fue dirigido por Ruy Guerra y se adentra en la mente de un personaje que deambula por una ciudad en colapso, sin nombre ni identidad definidos. El protagonista, interpretado por Jandir Ferrari, recorre espacios urbanos que parecen cerrarse a su alrededor, en una lógica que roza la pesadilla. La película invierte en un lenguaje visual más experimental, proponiendo una lectura simbólica de la alienación y la ruptura social.

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Yo, tú, ellos (2000)

Andrucha Waddington presenta en Eu, Tu, Eles La historia de Darlene, una mujer de campo que vive con tres hombres en una pequeña comunidad del noreste. La trama se desarrolla en torno a la vida cotidiana de esta estructura familiar poco convencional, en la que el afecto y la convivencia se ponen a prueba por las tensiones y costumbres locales.

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Carandirú (2003)

Carandiru, también de Héctor Babenco, adapta el libro del doctor Drauzio Varella sobre su experiencia como voluntario en la cárcel más grande de Latinoamérica. La película está construida alrededor de relatos de diferentes reclusos, revelando sus historias de vida antes y durante la prisión. La narrativa enfatiza la precariedad del sistema penitenciario y la humanidad de los personajes, yendo más allá del estereotipo del “criminal”. Las tensiones crecieron hasta que culminaron en la masacre de 1992, presentada como un punto de ruptura y una crítica explícita a la brutalidad estatal. La obra tuvo un gran impacto y fue presentada fuera de concurso en Cannes.

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Diarios de Motocicleta (2004)

A pesar de ser una producción latinoamericana dirigida por un brasileño Walter Salles, diarios de motocicleta Su figura central es Ernesto Guevara, antes de convertirse en el “Che”. La película sigue su viaje en motocicleta por Sudamérica junto a su amigo Alberto Granado. La narrativa presenta el despertar político de Ernesto a través de encuentros con pueblos marginados en diferentes países, incluido Brasil. Con paisajes grandiosos y un enfoque en la maduración del protagonista, la película está estructurada como una road movie formativa. Aunque no sea exclusivamente brasileña, su dirección y parte de la producción justificaron su asociación con Brasil en el festival.

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Ciudad baja (2005)

dirigido por Sergio Machado, Ciudad baja Se desarrolla en los barrios populares de Salvador y gira en torno al trío formado por Deco, Naldinho y Karinna. Amigos de la infancia y dueños de un barco de transporte, los dos hombres se ven emocionalmente conmovidos por la llegada de la bailarina Karinna, que se embarca con ellos en un viaje por el interior de Bahía. A medida que los tres comienzan a compartir el mismo techo, la trama se organiza en torno a las tensiones románticas, sexuales y emocionales que surgen de esta coexistencia. La estética cruda, la cámara cercana y las actuaciones intensas ayudan a construir la atmósfera densa de la película, que se mostró en la exposición. Un Certain Regard en Cannes.

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Cine, aspirinas y buitres (2005)

En un país marcado por la sequía y la precariedad, dos hombres se cruzan: Johann, un alemán que huye de la guerra, y Ranulpho, un hombre del noreste sin destino fijo. A bordo de un camión que muestra anuncios de aspirinas, los dos viajan por caminos polvorientos del interior de Brasil en la década de 1940. La película, dirigida por Marcelo Gomes, opta por una narrativa contenida, centrada en el diálogo y el paisaje como extensión de los personajes. El estreno de la película en Cannes también tuvo lugar en la exposición Un Certain Regard.

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Ceguera (2008)

Basado en el trabajo de José Saramago, Ensayo sobre la ceguera fue dirigido por Fernando Meirelles y transformó la alegoría literaria en una experiencia audiovisual perturbadora. La película describe una epidemia inexplicable de ceguera blanca que se propaga por una ciudad y aísla a los afectados en un hospital psiquiátrico improvisado. El medio ambiente se deteriora rápidamente, revelando comportamientos extremos ante el colapso de las estructuras sociales. Aunque la historia no está ambientada explícitamente en Brasil, la película es una coproducción internacional con dirección brasileña, lo que garantizó su selección en la competencia oficial del festival.

Línea de pase (2008)

Walter Salles e Daniela Tomas retrata la vida cotidiana de cuatro hermanos que viven con su madre en las afueras de São Paulo. Cada uno intenta encontrar su propio camino: ya sea a través del fútbol, ​​la religión, los estudios o la calle. La ausencia de una figura paterna y las presiones sociales moldean los caminos de cada personaje. La película tiene un aire casi documental, siguiendo de cerca a los personajes y dando espacio a silencios y observaciones sutiles de la vida urbana cotidiana. El rendimiento de Sandra Corveloni Cómo su madre ganó el premio a la mejor actriz en Cannes.

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La sal de la tierra (2014)

Co-firmado por Wim Wenders e Juliano Ribeiro Salgado, La sal de la tierra es un documental sobre la vida y obra del fotógrafo brasileño Sebastião Salgado. La película recorre décadas de registros de conflictos, migraciones y paisajes, al tiempo que sigue la trayectoria personal de Salgado. La estética en blanco y negro domina la pantalla, mientras la narración se alterna entre directores, creando un puente entre generaciones y perspectivas. Se exhibió en la exposición. Un Certain Regard.

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Acuario (2016)

Dirigido por Kleber Mendonça Son, Acuario Cuenta la historia de Clara, una periodista jubilada que se niega a abandonar el apartamento en el que vive desde hace décadas, incluso ante las presiones de una constructora interesada en demoler el edificio. La narrativa se desarrolla a partir de la resistencia de esta mujer al borrado de la memoria —tanto personal como colectiva— y plantea cuestiones como la especulación inmobiliaria, el envejecimiento y la autonomía. Acuario Se mostró en la competencia oficial y generó repercusión no sólo por la película, sino también por la demostración política del elenco en la alfombra roja.

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La chica que bailó con el diablo (2016)

la pelicula de Juan Pablo Miranda María Se proyectó en la sección competitiva de cortometrajes en Cannes. De unos 15 minutos de duración, la narración sigue a una joven en una comunidad rural que vive bajo una religiosidad opresiva. Imágenes ritualistas y un uso expresivo de la banda sonora y la iluminación crean el clima de tensión y ambigüedad que rodea al personaje.

Cine nuevo (2016)

Este documental de Eryk Rocha - Hijo de Glauber Rocha — investiga el movimiento cinematográfico que transformó Brasil a partir de la década de 1960. En lugar de adoptar una estructura expositiva convencional, la película se construye a partir de archivos, extractos de películas y entrevistas con cineastas como Nelson Pereira dos Santos, Cacá Diegues y Joaquim Pedro de Andrade. El montaje alterna imágenes detrás de escena y fragmentos emblemáticos que revelan la fuerza estética y política del Cinema Novo. La película ganó el premio. El ojo de oro al mejor documental del festival.

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Gabriel y la montaña (2017)

https://youtu.be/NT-RvXLaL-M

Basada en la historia real del economista brasileño Gabriel Buchmann, la película Fellipe Barbosa reconstruye los últimos días del joven durante su viaje por África y sigue su recorrido por varios países del continente. La producción combina elementos de ficción con testimonios reales de personas que lo conocieron, formando un híbrido entre drama y documental. Fue premiada en la exposición Un Certain Regard, con énfasis en la dirección.

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La lluvia canta en el pueblo de los muertos (2018)

Firmado por Juan Salaviza e Renée Nader Messora, la película fue realizada con y sobre el pueblo indígena Krahô, en Tocantins. La narración gira en torno a Ihjãc, un joven que se niega a asumir el papel de chamán tras la muerte de su padre. A partir de esta tensión entre la tradición y el deseo de autonomía, la película aborda el duelo, los ritos y la resistencia indígena en un mundo afectado por presiones externas. La elección de un lenguaje contemplativo, con planos generales y sin actores, acerca al espectador a la experiencia del pueblo. La película ganó el Premio Especial del Jurado en el show Una cierta mirada.

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Los silencios (2018)

dirigido por Beatriz Seigner, Los Silencios Sigue a una madre colombiana y sus dos hijos que llegan a la Isla de la Fantasía, en la frontera entre Brasil, Perú y Colombia, huyendo del conflicto armado. La trama se desarrolla en este espacio marcado por la fluidez de las fronteras y la presencia constante de los muertos, que conviven con los vivos como si nunca se hubieran ido. La película fue seleccionada para la Quincena de Realizadores.

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El huérfano (2018)

El corto de Carolina Markowicz Está basada en la historia real de un adolescente rechazado por su familia adoptiva tras revelar su homosexualidad. Con una duración aproximada de 15 minutos, la película se centra en el tiempo que pasa el niño en un refugio y su deseo de pertenecer. La obra participó en la muestra competitiva de cortometrajes de Cannes y ganó el premio Queer Palm al mejor cortometraje LGBTQIA+.

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Halcón de la noche (2019)

En un pueblo ficticio en el interior del noreste, los residentes enfrentan la amenaza de un grupo de extranjeros que pretenden borrar el pueblo del mapa. Dirigido por Kleber Mendonça Son e Juliano Dornelles, Bacurau Mezcla elementos del western, la ciencia ficción y el cine político para construir una narrativa sobre la resistencia, la identidad y la violencia. La película articula un colectivo como protagonista, invirtiendo las lógicas tradicionales del cine de género. Ganó el Premio del Jurado, una de las películas principales de la competición oficial de Cannes.

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La vida invisible de Eurídice Gusmão (2019)

dirigido por Karim Ainoz, la película adapta la novela de Martha Batalha y cuenta la historia de dos hermanas separadas por la fuerza en Río de Janeiro en la década de 1950. Mientras una es enviada a un convento y la otra permanece en casa creyendo que su hermana la abandonó, la narración sigue sus vidas en paralelo, marcadas por la represión y el silencio. El melodrama se articula con la crítica a la sociedad patriarcal y a la exclusión de las mujeres de sus propios destinos. Ganador del espectáculo Un Certain Regard.

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Sin tu sangre (2019)

Alicia Furtado dirige esta película que mezcla el romance adolescente con toques de fantasía. La película sigue a la joven Silvia, quien experimenta un intenso dolor tras la repentina muerte de su novio. A medida que la ausencia se vuelve insoportable, la narración coquetea con la posibilidad de lo imposible, utilizando el duelo como puente hacia lo surrealista. La película se proyectó en Quincena de directores.

Cielo de agosto (2021)

El corto de Jazmín Tenucci Se desarrolla durante la pandemia y sigue a una enfermera en São Paulo que, ante el agotamiento y la tensión de sus días, comienza a asistir a servicios neopentecostales. La narración observa la vida cotidiana de un personaje en suspensión emocional, captando el momento en que se acerca a un nuevo sistema de creencias. La película fue seleccionada para el concurso de cortometrajes y compitió por la “Palma de Oro” en la categoría.

Sideral (2021)

dirigido por Carlos Segundo, Sideral Está ambientada en Natal, Rio Grande do Norte, y sigue a una familia que vive cerca de una base de lanzamiento espacial. Cuando la esposa de la pareja desaparece misteriosamente, la película presenta un giro que mezcla ciencia ficción y crítica social. El cortometraje se mostró en el concurso de cortometrajes de Cannes y atrajo la atención por su uso del blanco y negro.

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Cantareira (2021)

Filmado en las orillas de la represa del mismo nombre, en São Paulo, cantareira , de rodrigo ribeiro, sigue a un joven que intenta escapar del caos urbano regresando a la comunidad donde creció. El cortometraje se mueve entre la memoria y el desplazamiento, mostrando el contraste entre la ciudad y el bosque, y entre el presente y el pasado del personaje. La obra obtuvo el tercer lugar en el Cinéfondation, una exposición centrada en la producción universitaria.

La flor del buriti (2023)

De Juan Salaviza e Renée Nader Messora, la película es una continuación espiritual de La lluvia canta en el pueblo de los muertos. Esta vez, la historia se centra en el proceso histórico de resistencia del pueblo Krahô, sacando a la luz recuerdos de masacres y expropiaciones, pero también prácticas cotidianas y formas de cuidado. La película combina puesta en escena con elementos documentales y se estrenó en el festival. Un Certain Regard.

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Motel Destino (2024)

Como Motel Destino, Karim Ainoz regresa a la competición oficial de Cannes, esta vez llevando al espectador a un espacio de deseos, secretos y tensiones en el interior de Ceará. La película se desarrolla en un motel de carretera, donde Heraldo (Iago Javier), recién salida de un reformatorio, se cruza con Dayana (nataly rocha) y Elías (Fábio Assunção), el enigmático dueño del lugar. La dinámica entre los tres se vuelve cada vez más tensa, revelando conflictos de poder e identidad a medida que la trama profundiza en temas como la violencia, el deseo y la exclusión. EL La película recibió 12 minutos de aplausos en el festival..

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Bebé (2024)

dirigido por Marcelo Caetano, Bebé fue seleccionado para la exposición paralela de Semana de la crítica. La película sigue la vida de un joven de las afueras de la ciudad que, entre encuentros sexuales, vida callejera y conflictos familiares, intenta forjar su propio camino. La película busca representar a la juventud queer de forma auténtica y sin filtros, partiendo de una estética urbana, sensual y colorida.

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Amarillo (2024)

Escaso de André Hayato Saito, amarillo fue seleccionado para la competencia oficial de cortometrajes en Cannes. La narrativa gira en torno a la experiencia de un joven asiático-brasileño que tiene que lidiar con el duelo y la violencia simbólica del racismo. La historia está contada de forma sensible y directa, con una estética que mezcla naturalismo y artificio.

Crónica de un industrial (selección cancelada por censura)

Con un fuerte carácter experimental, el largometraje Luiz Rosemberg Filho Se centra en el colapso moral y simbólico de un hombre de negocios, funcionando como una crítica abierta al capitalismo y la represión. Fue invitado al Festival de Cine de Cannes, pero su participación terminó siendo cancelada por la dictadura militar brasileña. Aun así, merece una mención honorífica en esta lista.

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Texto revisado por alejandro marqués en 16 / 04 / 2025.

fuente: Cannes